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Review: The Aristocrats “You Know What?…”

The Aristocrats has returned! The trio formed by Marco Minnemann (Drums), Bryan Beller (Bass) and Guthrie Govan (Guitar), in the last couple of years except for a short tour were each dedicated to their projects, now they have decided to get back together and record their fourth album since 2015 “You Know What? …” just looking at the title makes us think that the three musicians decided to simply take risks and not think too much about the final result, and this formula has worked out very well for them.

Usually the instrumental albums of rock and jazz fusion abound in melodic demonstrations, beauty and virtuosity in many cases, but they lack an element that is left over: Fun, in The Aristocrats this seems to be the main idea, that both the musicians and the public have fun, seeing them live is a guarantee of musicality but also of good humor, and this is also transmitted on their albums from the cover, to the names of the songs and the album itself.

In this fourth chapter they follow the premise of 9 songs composed in equal parts for each one, that is, 3 songs per member, I tried to listen to them and guess who wrote it, I invite you to do the same exercise, but let’s go with that: The songs…

Beginning with the noisy and crazy ‘D-Grade Fuck Movie Jam’ where the Wah Wah is present most of the time and would make Hendrix smile while the bass and drums provide The groove, here Marco brings a mini drum solo and as a curious fact you can listen to some guitar overdubs which is very rare in the band, ‘Spanish Eddie’ starts with a very clean tapping melody that reminded me of Stanley Jordan or more towards this time and more to Latin America to Felix Martin, remarkable the cleanliness of the Guthrie’s tone in this theme and the syncopation between Marco and Bryan in bass and drums, in the second half has the Spanish part of the song, in general a soft theme, however not easy to play!

Maybe I’m wrong but ‘When We All Come Together’ sounds like it’s a Guthrie song all over, for its love of country and I really like how the bass is always walking forward taking the melody the right way, almost makes me want to be in Memphis Tennessee dancing in an old tavern!

‘All Said And Done’ is a half-time song that has a lot of sixties tint where despite not having great technical skills the feeling is not lacking with a nice bass solo included (Beller’s tone is more solid than the foundations of a building) would easily put this theme while driving on the highway. Next is ‘Terrible Lizard’ inspired by… Dinosaurs 🤔, one of the things that make this band stand out is their ability to take a concept and shape it musically, in this song you feel as if a T-Rex approached with great footsteps, seriously!, even the sound of the guitar at a certain moment makes us think of mant strange noises that a prehistoric reptile would make.

‘Spirit Cactus’ 🌵is a pretty “Grunge” theme to say it somehow, takes me to the nineties of Soundgarden or Alice In Chains is a song that you could easily put lirycs on and it would have been a hit! and curiously the first 4 bars sound like Agoraphobia by Incubus (just coincidence), and yes! it takes you to a calm and reflective desert.

‘The Ballad Of Bonnie And Clyde’ deliver an exquisite melody adorned by Marco’s constant shuffle on drums, despite keeping the rhythm constant it does not become repetitive, it shows a certain flamenco influence and soundtrack type cinematic, something must have Guthrie picked up from his tour with Hans Zimmer 🤷🏼.

‘Burial At The Sea’ is where the beautiful and the heavy combine, I would say that the background sounds are empty glass bottles and incredibly makes you think about the title of the song, the dynamics are amazing going from clean and soft songs to a massive heavy tone!

‘Last Orders’ is a Jazz Fusion ballad where this sound trip ends, as when in a party almost all have gone except for a couple of guests who are talking at a table in the company of their half-empty drinks, however this song is not a fill, but a gentle way to say until next time.

There are bands that come back with records that are truly irrelevant, with no news… this is not the case, The Aristocrats musically has nothing to prove, the quality and background of its members is truly impressive but what they do make clear is that they can transmit feelings and emotions with instrumental music and make it a fun ride, it should also be noted that in this album there are new production aspects for the trio like over dubbed guitars and filtered drum sounds that although they are small details, make a lot of difference.

When this band announce a tour in Latin America, it will be a must see, for sure!

Reseña: The Aristocrats “You Know What?…”

Regresó The Aristocrats! El trío formado por Marco Minnemann (Batería), Bryan Beller (Bajo) y Guthrie Govan (Guitarra), en el último par de años a excepción de una corta gira estuvieron cada uno dedicado a sus proyectos, ahora han decidido juntarse para su cuarto álbum desde 2015 ‘You Know What?…’ solo ver el título nos hace pensar que los tres músicos decidieron simplemente arriesgarse y no pensar demasiado en el resultado final, y esta fórmula les ha resultado muy bien.

Usualmente los discos instrumentales de rock y jazz fusión abundan en demostraciones melódicas, belleza y virtuosismo en muchos casos, pero carecen de un elemento que a este le sobra: Diversión, en The Aristocrats esto parece ser la idea principal, que tanto los músicos como el público se divierta, verlos en vivo es garantía de musicalidad pero también de buen humor, y esto también lo transmiten en sus discos desde la portada, hasta los nombres de las canciones y el álbum mismo.

En este cuarto capítulo siguen la premisa de 9 canciones compuestas en partes iguales.por cada uno, es decir, 3 temas por integrante, yo traté de escucharlos y sin googlear adivinar de quién viene. cada tema, les invito a hacer el mismo ejercicio, pero vamos con eso: Las canciones…

Empezando por la ruidosa y alocada ‘D-Grade Fuck Movie Jam’ dónde el Wah Wah presente la mayoría del tiempo haría sonreír a Hendrix mientras el bajo y la batería aportan El groove, aquí Marco aporta un mini solo de batería y como dato curioso se escuchan algunos overdubs de guitarra cosa que es muy rara en la banda, ‘Spanish Eddie’ comienza con una melodía en tapping muy limpia que me recordó a Stanley Jordan o más hacia esta época y más hacia Latinoamérica a Félix Martin, y sorprende la limpieza del tono de Guthrie en este tema y lo sincopado de Marco y Bryan en bajo y batería, en la segunda mitad tiene la parte española de la canción, en general un tema suave más no fácil.

Tal vez me equivoco pero ‘When We All Come Together’ suena a que es un tema de Guthrie por todas partes, por su amor al country y me gusta mucho cómo el bajo va siempre caminando hacia adelante llevando la melodía por el camino correcto, aquí de verdad provoca estar en Memphis Tennessee bailando en una taberna!

‘All Said And Done’ es un tema a medio tiempo que tiene un tinte bastante sesentero donde a pesar de no haber grandes destrezas técnicas el feeling no falta con solo de bajo incluído (el tono de Beller es más sólido que las bases de un edificio) fácilmente pondría este tema mientras conduzco por la autopista, le sigue ‘Terrible Lizard’ inspirado en… Dinosaurios 🤔, una de las cosas que destacan a esta banda es su capacidad de tomar un concepto y darle forma musicalmente, en esta canción sientes como si un T-Rex se acercara con grandes pisadas, en serio!, hasta el sonido de la guitarra en cierto momento hace pensar en cualquier cantidad de ruidos raros que haría un reptil prehistórico.

‘Spirit Cactus’ 🌵es un tema bastante “Grunge” por decirlo de alguna manera me lleva a los noventa de Soundgarden o Alice In Chains es una canción que fácilmente podrías ponerle una letra encima y hubiera sido un hit! y curiosamente los primeros 4 compases suenan a Agoraphobia de Incubus (solo coincidencia), y si evoca a un desierto tranquilo y reflexivo.

‘The Ballad Of Bonnie And Clyde’ nos lleva a una melodía exquisita adornada por el constante shuffle de Marco en la batería, a pesar de mantener el ritmo constante no se vuelve repetitiva, se nota cierta influencia flamenca y cinemática tipo soundtrack, algo debe haber recogido Guthrie de su gira con Hans Zimmer 🤷🏼‍♂️.

‘Burial At The Sea’ es donde lo bello y lo heavy se combinan, diría que los sonidos de fondo son botellas de vidrio vacias e increíblemente te hace pensar en el título de la canción, de nuevo….

‘Last Orders’ es una balada Jazz Fusión donde este viaje sonoro termina, como cuando en la fiesta casi todos se han ido excepto por un par de invitados que quedan conversando en una mesa en compañía de sus tragos medio vacíos, esta canción para nada es un tema de relleno.

Hay bandas que regresan con discos sinceramente irrelevantes, sin novedades… este no es el caso, The Aristocrats musicalmente no tiene nada que demostrar por la calidad y background de sus integrantes pero lo que si dejan claro es que pueden transmitir feeling y emoción con música instrumental, también cabe destacar que en este disco hay aspectos de producción nuevos para el trío segundas guitarras de acompañamiento y baterías filtradas que si bien son detalles pequeños, hacen mucha diferencia.

Cuando la banda anuncie su gira por Latinoamérica, será casi obligatorio ir a disfrutar de su música!

El cuarto disco de The Aristocrats “You Know What?…” será lanzado este 28 de Junio

The Aristocrats tiene una forma de traer a la vida lo imposible [Prog Magazine]

The Aristocrats (Guthrie Govan en guitarra, Bryan Beller en el bajo y Marco Minnemann en la batería) son quizás la banda de fusión rock más conocida actualmente en el circuito y han grabado su álbum más ambicioso y exploratorio en 8 años, “You Know What…?” es el cuarto disco del trío con 9 temas grabados en Brother un Studios, Ojai, CA.

Como ya es tradición, cada miembro de la banda escribió y produjo tres canciones que llevaron al estudio gracias a la química instintiva y el vocabulario musical compartido por los músicos. Habiendo estado separados cada uno en sus distintos proyectos el trío está emocionado de juntarse nuevamente haciendo lo que mejor se les da y creando un sonido fresco pero al mismo tiempo distintivo de la banda en una mezcla de disciplina y libertad musical, como de costumbre no apuntan a ningún género específico la unica regla es que la música sea placentera al oyente y divertida de ejecutar en el escenario.

Track Listing
1. D Grade F*ck Movie Jam
2. Spanish Eddie
3. When We All Come Together
4. All Said And Done
5. Terrible Lizard
6. Spiritus Cactus
7. The Ballad Of Bonnie And Clyde
8. Burial At Sea
9. Last Orders

You Know What…? estará disponible en formato standard y deluxe CD, además de descarga digital y streaming. La edición deluxe incluye un DVD, filmado y editado por Jon Luini, contiene material exclusivo de estudio y entrevistas con la banda así como un libro con artwork de 12 páginas que acompaña cada canción.

You Know What…? estará disponible a partir del 28 de Junio y apartir del inicio de mes estará disponible la pre-venta.

The Aristocrats

La banda iniciará el tour mundial con fechas que serán anunciadas pronto, por ahora se estarán presentando en “The Aristocamp” in evento de tres días del 18/06 al 21/06 en New York, para información de fechas y tickets ver aquí:

http://the-aristocrats-band.com/shows/

🤞Esperamos verlos por Latinoamérica pronto!🤞

Brian Tatler de Diamond Head cuenta como gracias a Metallica pudo comprar su casa

El guitarrista de la banda pionera de la nueva ola de heavy metal británico, en una entrevista con Louder Sound comentó el impacto que tuvo el hecho de que cuatro temas de Diamond Head fueran incluidos por Metallica en el disco Garage Inc. (1998) : “It’s Electric,” “Helpless,” “Am I Evil?”, y “The Prince.”

“Este álbum salió en 1998 y vendió más de 5 millones de copias, contiene 4 canciones de Diamond Head y Las regalías cambiaron mi vida totalmente. Compré una casa con mi esposa y como el pago de estas es constante eso significa que ya no tengo que trabajar más”

Sobre aquellos días recordó:
“En 1998 estaba visitando a nuestro baterista en San Francisco, y me llama Lars invitándonos a los estudios Record Plant en Sausalito, California donde estaban grabando Garage Inc., Nos dió un recorrido y compartió una grabación que acababan de terminar de “It’s Electric”.

“Más tarde volvimos a San Francisco para celebrar y pregunté a Lars cuántas copias vendería el disco, el dijo: probablemente 5 millones basándose en los dos últimos discos anteriores, así que las cervezas van por tu cuenta!”

“Tener cuatro canciones en un disco de Metallica… He sido muy afortunado, así de simple, ellos hicieron muy buenas versiones de nuestros temas, muy rockeras y presentaron Diamond Head a millones de fans americanos que no nos conocían, porque en su momento nunca hicimos una gira por allá. A veces pienso en otras bandas de nuestra época que pudieron ser versionadas como Angelwitch o Tygers of Pan Tang y me siento muy afortunado”

También contó cómo en 1981 un joven Lars Ulrich compartió alrededor de un mes con ellos durmiendo en casa de los miembros siendo un completo desconocido:

“El habló con nosotros después del show y dijo que le gustaría pasarla con la banda por unos días pero que no tenía donde quedarse así que básicamente se auto invitó y se quedó en el piso en una bolsa de dormir en la casa de mis padres, de ahí se fué a casa del cantante Sean Harris a dormir en su sofá por tres o cuatro semanas más. Nunca dijo que fuera baterista ni que quería formar una banda, solo era este fan loco que nos impresionó por su entusiasmo, estaba lleno de energía y era divertido andar con él”

En otra entrevista Lars habló de aquella experiencia:

“Terminé quedándome con Sean y Brian por seis semanas, viéndolos escribir, ensayar, yendo con ellos a sus shows, eramos Diamond Head y yo en un auto pequeño donde a penas cabían dos personas íbamos cinco. Ese verano también terminé en el local de ensayo de Motorhead en Londres eso me hizo querer formar una banda así que volví a Los Angeles y llamé a este chico James Hetfield que había conocido y le dije: Formemos una banda”

Y el resto es historia…

Claudio Cordero – PLASMA Band anuncia su gira a México 2019

La banda PLASMA liderada por el guitarrista Claudio Cordero, anuncia oficialmente su gira a México en Junio de 2019.

Comenzando el año con una exitosa apertura en el Teatro Teletón junto a HAKEN en Enero de este año, se abre la oportunidad de radicar una serie de presentaciones a nivel internacional, presentando la formación oficial del cuarteto “PLASMA”, compuesto por Claudio Cordero, Atilio Sánchez, Felipe Leyton y Elías Martínez.

Este tour nace gracias a la cordial invitación para el show de apertura del concierto de Guthrie Govan en el festival GuitarWar 2019, el cual desarrolla su segunda edición en el país. Anteriormente tuvo lugar en el escenario Marty Friedman, organizado por Oregón producciones, quien organizó anteriormente el GuitarFest Chile desde el año 2007 hasta el presente. A partir de esto, se conformó un Line-Up completo, continuando así en el estado de Baja California recorriendo las ciudades de Mexicali, Tecate, Tijuana, Ensenada y Rosarito.

La gira en general consiste en un proyecto cultural asociado al Ministerio de Artes y Cultura del Gobierno de Chile, en conjunto con el Centro Estatal de las Artes (México) y el Instituto de Cultura de Baja California. Todo esto con el fin de ejecutar una serie de clínicas académicas enfocadas en la proyección musical e interpretación. Además, para cerrar la gira, habrá cabida para un show de presentación de la banda en Mexicali antes de volver a Chile.

Aprovechando la instancia, antes de la travesía, se hará un show de despedida en el House of Rock n Blues el día 17 de Mayo a las 22.00 horas, en conjunto con la banda “La Bestia” conformada por Gabriel Hidalgo, Atilio Sánchez, Mauricio Nader, Felipe Mira y Claudio Cordero, presentando temas clásicos de Iron Maiden en el 31° aniversario del álbum “Seventh Son of a Seventh Son”.

https://youtu.be/0sxnYqZp8eg

https://youtu.be/OIPRUiJoSTw

HISTORIAS DE GUITARRA: El día en que Leo Fender casi convence a Les Paul de dejar a Gibson

En 1947, Leo Fender llevó a Paul Bigsby a la casa de Les Paul en Hollywood, donde escucharon improvisaciones de guitarristas country y western y debatieron sobre cómo la guitarra de cuerpo sólido podría combatir los problemas de volumen y realimentación. Hacia la primavera de 1951, Bigsby se había dado cuenta de que para Merle Travis y Fender el objetivo de su guitarra personalizada, la que pronto se llamaría Telecaster, finalmente había entrado en la fase de producción. Es aquí donde empieza la siguiente sección.

Encorvado sobre su escritorio en las oficinas de Radio-Tel en Santa Ana, Don Randall veía cómo llegaba un torrente de pedidos de la nueva guitarra eléctrica española de Fender. En marzo él registró que había trabajado de tres a cuatro noches todas las semanas hasta las 10:30 p. m. y aún seguía rezagado. Agotado y emocionado cuando llegó mayo, aun antes de que las guitarras salieran de la fábrica llevando el nuevo nombre Telecaster, Randall se vanagloriaba acerca de la avalancha de pedidos en las cartas que enviaba a sus vendedores. Luego los presionó a que vendieran más.

Recordaba la experiencia que vivió cuando caminaba por las ferias comerciales y cómo los más grandes rivales de Fender de la costa este se reían de él, de ver cómo su empresa era casualmente descartada por siquiera soñar con una guitarra de cuerpo sólido. Pero había algo que él sabía que callaría a esos detractores de una vez por todas.

Esa primavera de 1951 no habría mejor patrocinador de la nueva guitarra de Fender que Les Paul, el guitarrero eléctrico más popular de la nación. Poner una Fender Telecaster en las manos estrellas de Paul prácticamente garantizaba un gran volumen de ventas y la aceptación en todo el país, no solo en California y el sureste, donde Fender ya era popular.
Sería un golpe maestro: arrebatar a este guitarrista famoso de empresas consolidadas como Gibson y Epiphone, cuyos instrumentos él siempre había preferido. Dan Randall sabía que Leo y Les mantenían una relación amistosa, y tanto Don como Leo querían desesperadamente que Les adoptara la Telecaster. Así que una noche a mediados de junio Randall viajó para tratar de realizar el sueño.

“Estuve en Los Ángeles el sábado por la noche y hablé con Les Paul”, le escribió Randall a un colega el 21 de junio de 1951. “Le dejé una guitarra y un amplificador para que los probara esta semana, y les va a aplicar toda su pericia para luego darme su opinión. Quizás sepas que durante mucho tiempo él ha estado usando uno de nuestros Super Amps. De hecho, parece como si lo hubiera tenido por más de un siglo. Esta semana, él probará un Pro Amp y una guitarra Telecaster, por lo que sus comentarios serán muy interesantes”.

Randall dio a Les una Telecaster de dos pastillas de color amarillo traslúcido sin una calcomanía con el nombre, y en el cuello tenía grabada la fecha 10-5-51. Al parecer, Les creyó que la guitarra era más bien un prototipo y no un modelo de producción, lo que más o menos confirmaba la impresión que tuvo Randall, de que no podría esperarse que Les prestara demasiada atención ya sea a la guitarra o al hombre que se la entregaba.

“Esta fue la primera oportunidad que tuve de conocer a Les y de verlo tocar en vivo y, créanme, él es un instrumentista magnífico”, escribió Randall. “No obstante, él parece ser un poco egocéntrico. Mary Ford es una persona muy cortés y muy talentosa. Canta preciosamente y toca la guitarra mejor que el noventa por ciento de todos los músicos de la actualidad”.

Egocéntrico o no, Les Paul tenía la suficiente importancia que Randall esperó con ansias su veredicto. Más adelante, Les recordó que había una nota de Leo en la Telecaster, en la que le pidió “Mírala [a la guitarra] y piénsalo”. Era un instrumento que encarnaba las ideas que Les tanto había defendido: una guitarra de cuerpo sólido que mostrara el camino hacia el futuro.

Leo quería el respaldo de Les, pero quizás el negocio no era su único motivo. Leo habría deseado demostrar a su rival amistoso lo que había estado confeccionando, jactarse, solo un poco, en la forma discreta y práctica con la que hacía todo

Los avances que Les, Leo y Paul Bigsby habían discutido en esas tardes en el patio de Les se reflejaron nítida y poderosamente en la Telecaster. Lo que había sido solamente nociones disparatadas, cuasicorazonadas, eran ahora un producto comercial, de precio modesto, de diseño práctico y disponible en tiendas de música en todo el país. Todos habían estado tratando el mismo problema, y Leo creía que lo había resuelto, no solo para los pocos profesionales adinerados, como lo era Bigsby, sino para los guitarristas en todo el mundo.

“Voy en esta dirección”, le dijo Leo a Les por esa época, según recuerda Les. “¿Les gustaría acompañarme y ser parte de esto?”. Les creía que unirse a Fender podría ser una movida astuta. Leo había comprobado la capacidad de llevar a cabo una idea radical y controversial. La Telecaster se había convertido en una guitarra que los músicos activos ordinarios podían comprar, una que era notablemente distinta a cualquier otra que se colgara en una tienda de música. Les recuerda que una asociación con Leo “en un principio le había parecido una idea genial”.

Luego él empezó a contemplar su larga relación ocasional con Gibson, cuyas guitarras le encantaban desde la niñez. La producción en la fábrica de Fullerton, aunque tenía un producto revolucionario, aún era reducida. “No existía la Fender en ese entonces”, comentaba Les a un entrevistador, lo cual, si bien es inexacto, sugiere el exiguo impacto nacional de Fender. “Lo único que había eran los planes de Leo”.
Una década atrás Gibson había rechazado la idea que Les había propuesto para la Log, y Les entonces tocaba en su mayoría Epiphones que él mismo había modificado, pero aún sentían un lazo con la prestigiosa fábrica de Michigan. De manera significativa, Les también había decidido que en realidad no le gustaba tanto la Telecaster de Leo. El sonido que emitía era demasiado claro y agudo para su gusto. El diseño era demasiado simple, directo y desafortunado. La Fender era la guitarra del hombre común, y Les siempre se había considerado a sí mismo como alguien extraordinario.
Cuando Leo fue a preguntar a Les qué opinaba acerca del instrumento, y puso sobre la mesa la posibilidad de un respaldo, Les le tenía malas noticias. “Le dije a Leo: ‘Caray, eh, he tenido una excelente relación con Gibson durante todos estos años, y forma parte de la fábrica de instrumentos musicales más grande del mundo, y quisiera intentar de nuevo diseñar una guitarra con ellos antes de hacer una jugada'”.
Les simplemente no estaba listo para rendirse ante Gibson, aunque Gibson se riera de su última idea grandiosa. En su autobiografía, Les afirma que Leo comprendió esta decisión. “Estuvo de acuerdo con que yo no quisiera embarcarme abruptamente en un proyecto nuevo”.

Pero Les no solo rechazó el respaldo. Él decidió usar la innovación de Leo de una forma que cambiaría su relación para siempre. Según la versión de Les, él trató de blandir la guitarra de cuerpo sólido de Fender como influencia para lograr que Gibson fabricara el tipo de instrumento que él quería. Después de analizar la Telecaster, Les afirma que llamó a Maurice H. Berlin, presidente de la empresa matriz de Gibson, y le contó acerca de la guitarra.

En una reunión posterior, según Les, Berlin le pidió que opinara sobre la Telecaster. Les trató de insinuar la idea al ejecutivo: “Creo que la guitarra de cuerpo sólido va a ser muy importante”, le dijo a Berlin. “Y si no haces algo, Fender dominará el mundo”.

Extraído de The Birth of Loud: Leo Fender, Les Paul, and the Guitar-Pioneering Rivalry That Shaped Rock ‘n’ Roll de Ian S. Port. Copyright © 2019 por Ian S. Port. Extraído con autorización de Scribner, una división de Simon & Schuster, Inc

Artículo original en www.reverb.com

Matt Heafy de Trivium lanza nueva correa signature con un particular diseño ergonómico

Matt Heafy, frontman de la banda Trivium se ha aliado con la compañía Richter Straps para crear una nueva correa más ergonómica en la que el instrumento se vea apoyado en ambos hombros ya que en las tradicionales el peso va distribuido en un solo hombro y la espalda, si bien Heafy tiene razón en este punto, la.parte estética no termina de convencer a los fans quienes han dejado comentarios de desagrado en las redes del guitarrista.

Matt dijo “Las correas para guitarra no son ergonómicas, el concepto de peso en un solo lado por toda una vida de carrera musical es crucial para balance de tu cuerpo.”
“Con mi correa doble signature el peso está distribuido entre los países hombros, ofreciendo una distribución de peso de 60/40 y es un salvavidas no importa tu nivel musical”

El producto tiene un precio estimado de $180 USD

Interview with Guthrie Govan: “I don’t generally warm up before a show, as I enjoy the feeling of walking on stage, picking up a guitar and being genuinely pleased to see it”

Guthrie Govan, is one of the most innovative guitar players of the last year’s, he has made transcriptions and articles for the most prestigious guitar magazines, has toured with ASIA, Steven Wilson or Hans Zimmer among others, and with his trio project The Aristocrats with Bryan Beller and Marco Minnemann, at this moment he has an uptight clinic schedule that keeps him touring across the world.

Guthrie took some minutes to answer questions from our audience prior to his show in Chile this June 08th and tell us how is progressing the new Aristocrats album, tour with Hans Zimmer, and confess who is his “guilty pleasure” artist…

1) Do you have or recommend a warm up routine before a show?

I don’t generally warm up before a show, as I enjoy the feeling of walking on stage, picking up a guitar and being genuinely pleased to see it. I wouldn’t want to recommend any particular policy on this topic, though – a player should do whatever they need to do to “get into the zone” before a show, and we’re all different.

2) Have you ever, perhaps as a young musician felt that you were not good enough, and what you did to overcome that?

I still feel that way – just ask anyone who has spent time with me in a recording studio! I think the important thing is to find a balance where you’re able to criticise the weaker aspects of what you do without becoming too focused on negativity. If you start to believe that everything you play is great, you run the risk of no longer improving, but being excessively self-critical runs the risk of no longer deriving joy from playing… which is just as bad. Both extremes are dangerous, but somewhere in the middle lies a healthy balance, I think.

3) What was the biggest obstacle in your career?

I’m not sure I can think of a truly big obstacle in my story. I feel that I’ve been very fortunate in my career and that good things have happened to me much more often than bad ones. I started out with no particular business plan and yet somehow I ended up in a position where I’m able to travel the whole world playing strange instrumental music: I’d have to say that makes me a relatively lucky musician, as I really am doing pretty much what I always wanted to do!

On a more philosophical note, I quite like the idea that obstacles can often teach you something useful and that figuring out how to deal with common problems is actually an important part of becoming a complete musician. My entire touring career has felt like a long series of small obstacles… dealing with things like jetlag, food poisoning, poor monitoring, unreliable electrical supplies, tedious visa application processes, delayed flights and one one occasion having most of the band’s gear stolen from the tour van. However, there’s generally a way to overcome such things and ensure that you can still deliver the show (with one exception: I’m not a fan of playing outdoor shows during rainy storm conditions, as I have occasionally been asked to do – the idea of being electrocuted on stage really doesn’t appeal to me!)

4) Have you played a 7 strings guitar and do you feel attracted by 7 or 8 strings modern type guitars?

I actually have a Strandberg 8-string guitar, which I use during some of the “superhero” portion of Hans Zimmer’s live set. I actually feel more comfortable with an 8-string guitar than a 7-string one: the latter feels a bit like a guitar with the wrong number of strings whereas the former feels more like a distinctly different instrument so, paradoxically, I find it less confusing.

In all honesty, I don’t feel particularly attracted to extended range guitars, as I’m still trying to figure out all the things you can do on a regular 6-string instrument…

5) How you do to expand your personal lick library and be better improvising?

I spend a lot of time talking about this stuff during my clinics but the short version is that I think improvising should be about conveying the melody you hear in your head, rather than the shapes your fingers want to play. This requires a good ear so I’m a big fan of transcribing everything you hear and internally singing everything you play… I don’t want to be thinking about the names of scales and arpeggios whilst I’m trying to create something with a guitar, as I think that would be a distraction.

6) What caught your attention of playing with Hans Zimmer?

Touring with Hans and getting some insight into his musical approach has been a wonderful experience. The biggest challenge for me was working out effective guitar parts for music which already sounded great without any guitar – the context of an army of electronic sounds combined with an entire orchestra requires a very different guitar player to the one you might want to hear in a power trio format!

At any rate, I’ve really been enjoying working with HZ as he really seems to trust his musicians and doesn’t want to tell them how to play their parts in microscopic detail. Part of his creative process seems to require forcing unusual musical elements together in a quest for chaos – he has a real ability to pick out and isolate something special and unique within that chaos, where other people might hear only confusion. Because of this approach, I’ve come to feel that I can try some fairly crazy things in his music, knowing that he’ll tell me whether or not he likes it: it’s cool that he welcomes such input.

7) Is there any music style or artist that you feel is a guilty pleasure for you?

I have some fairly eclectic listening habits so I think virtually anyone would be puzzled by at least some of the music on my iPod. However, none of it really feels like a “guilty pleasure” as the “guilt” part of that phrase is really describing fear that someone else might not like the same things as you. This can easily be solved by ceasing to care about what other people like and not worrying about their judgement. The enjoyment of music is a hugely personal thing so there’s no “wrong” way to do it.

Having said all of that… I hereby confess that I like the Carpenters. 😉

8) How is going the recording of The Aristocrats new album?

It’s done! We’re all pretty happy with the new music so we’re really looking forward to the summer of this year when the album will be released.

9) Do you use any structure or strategic plan to develop your creative process?

Not really – creating musical ideas is a very random process for me and I don’t really want to understand how it works: I’m happy simply to hope that it does work. (Occasionally!)

10) What tips could you give when approaching complex bass and drum parts (odd time signatures)?

I think one important element is learning to feel the time signature, rather than counting along. Some of the folk music from a country like Bulgaria is in a truly bewildering array of time signatures but the people who actually grew up with that music seem totally comfortable with the groove – not because they learned to count along, but because they learned to dance to it!

thanks again for the time, we’re very looking forward to see you soon.

Guthrie Govan will be performing in Chile and Mexico in June 2019

Entrevista con: Guthrie Govan “Generalmente no caliento antes de los shows, pues disfruto el sentimiento de caminar al escenario, tomar la guitarra y estar genuinamente complacido de verla”

Guthrie Govan, uno de los guitarristas más innovadores de los últimos años, ha sido transcriptor y colaborador de los mas prestigiosos magazines para guitarristas, girado con músicos como Asia, Steven Wilson o Hans Zimmer, además con su proyecto The Aristocrats junto a Bryan Beller y Marco Minnemann y tiene una apretada agenda de clínicas que lo llevan por todo el mundo.

Amablemente accedió a responder algunas preguntas sobre su carrera musical, su visión de la guitarra, la experiencia con Hans Zimmer y el nuevo disco de The Aristocrats, además… nos cuenta que artista es su “placer culposo”

¿Recomiendas alguna rutina de calentamiento antes de un show?

“Generalmente no caliento antes de los shows, pues disfruto el sentimiento de caminar al escenario, tomar la guitarra y estar genuinamente complacido de verla. No recomendaría nada en particular en este aspecto, un músico debería hacer lo que sea que necesite para entrar “en la zona” y todos somos diferentes

¿Has sentido quizás cuando eras más joven que no eras lo suficientemente bueno? y ¿qué hiciste para superar eso?

“Todavía me siento así  (pregúntale a cualquiera que haya pasado tiempo conmigo en el estudio!), creo que lo importante es encontrar el balance entre criticar los aspectos más débiles de lo que haces sin enfocarse demasiado en la negatividad, por otra parte si empiezas a creer que todo lo que tocas es genial, corres el riesgo de dejar de mejorar pero al ser excesivamente crítico también corres el riesgo de no disfrutar lo que haces que es igual de malo. Ambos extremos son malos, creo que un punto en el medio de ambos es un buen balance”

¿Cuál ha sido el obstáculo más grande en tu carrera?

“No estoy seguro que haya tenido uno muy grande, siento que he sido muy afortunado en mi carrera y me han pasado cosas buenas más a menudo que malas, yo comencé sin un plan de negocio en particular y aún así he terminado en una posición donde puedo viajar por todo el mundo tocando música instrumental rara: debo decir que eso me hace muy afortunado, poder hacer lo que siempre he querido

En una nota más filosófica, me gusta la idea de que a menudo los obstáculos pueden enseñarte algo útil, y que lidiar con problemas comunes es de hecho una parte importante de ser un músico completo.

Mi vida de gira se siente como una serie de pequeños obstáculos .. lidiar con cosas como jetlag, intoxicación alimentaria, pobre monitoreo, fuentes eléctricas poco confiables, procesos de visado tediosos, vuelos atrasados, en una ocasión la mayoría del equipo de la banda fué robado de la furgoneta, sin embargo hay maneras de superar todo eso y asegurarte de hacer el show, con excepción de tocar en condiciones climáticas poco favorables ya que no soy muy fan de ser electrocutado en el escenario, no es una idea que me atraiga”

¿Alguna vez has tocado una guitarra de 7 cuerdas, o te has sentido atraído por guitarras más modernas de 7 u 8 cuerdas?

“De hecho tengo una Strandberg de 8 cuerdas que uso en la sección “superhéroe” del set en vivo de Hans Zimmer, de hecho me siento más cómodo con una de 8 cuerdas que con una de 7: esta última se siente más  como una guitarra con el número incorrecto de cuerdas mientras la primera se siente más como un instrumento distinto así que paradójicamente la encuentro menos confusa.

Honestamente, no me siento particularmente atraído por guitarras de rango extendido, aún estoy tratando de entender todas las cosas que puedes hacer en un instrumento convencional de 6 cuerdas”

¿Cómo expandes tu librería personal de licks y mejoras tu improvisación?

“Pasó mucho tiempo hablando de ello en mis clínicas, pero para resumir creo que la improvisación trata sobre trasladar la melodía que oyes en tu cabeza al instrumento, más que las formas que tus dedos quieren tocar. Esto requiere un buen oído así que me gusta mucho transcribir todo lo que escuchas e internamente cantar todo lo que tocas… No quiero estar pensando en los nombres de los arpegios y escalas mientras toco, porque eso resulta una distracción”

¿Qué te llama más la atención de tocar con Hans Zimmer?

“Tocar con Hans y tener cierto conocimiento de su enfoque musical ha sido una experiencia maravillosa. El reto más grande para mí fue trabajar en partes de guitarra efectivas para un música que ya sonaba bien sin guitarras, el contexto de un arsenal de sonidos eléctricos combinados con una orquesta requiere un tipo de guitarrista muy diferente al que quisieras oir en un power trio.

En cualquier forma he disfrutado mucho trabajando con HZ y el realmente confía en sus músicos, no les dice cómo tocar sus partes, en detalle microscópico. Parte de su proceso creativo requiere forzar elementos musicales inusuales en una búsqueda de caos (él tiene la habilidad de tomar y aislar cosas especiales y únicas dentro de ese caos, donde otros oyen solo confusión), gracias a ese enfoque he podido sentir que puedo intentar cosas ligeramente locas en su música, sabiendo que él dirá si le parece bien o no, y es bueno tener esa clase de retroalimentación”

¿Hay algún estilo musical o artista que sea un placer culposo para tí?

“Tengo unos hábitos algo eclécticos así que virtualmente cualquier persona puede identificarse con al menos una parte de mi iPod, sin embargo nada se siente como un “placer culposo” porque la parte “culposa” de esa frase describe miedo de que a alguien más no le guste lo mismo que tu. Esto se resuelve fácilmente dejando de dar importancia a que a otros les guste o no, y su juicio, el disfrute de la música es netamente personal así que no hay manera “incorrecta” de hacerlo, dicho esto… debo confesar que me gustan The Carpenters ;-)”

¿Cómo va la grabación del nuevo disco de The Aristocrats?

“Está listo! todos estamos bastante contentos con las nuevas canciones y estamos muy entusiasmados por el lanzamiento que será este verano”

¿Utilizas alguna estructura musical específica o un plan estratégico para desarrollar tus ideas creativas?

“En realidad no, crear ideas musicales es un proceso muy aleatorio para y en realidad no quiero entender cómo funciona. Soy feliz solamente con el hecho de que funcione (Ocasionalmente)”

¿Qué consejos podrías darnos al momento de abordar repertorio con partes de bajo y batería complejos que incluyan compases de amalgama o métricas irregulares (Odd Time Signatures)?

“Pienso que un elemento importante es APRENDER sentir las características de una determinada métrica de compás, en vez de estar contando los pulsos continuamente. Algunos géneros musicales folclóricos de países como Bulgaria están repletos de métricas irregulares asombrosas pero la gente que creció escuchando esa música parecen estar totalmente cómodos con esos Grooves, no porque aprendieron a contar sus pulsos, sino porque aprendieron a adentrarse en el”

Guthrie Govan estará participando del Guitar Fest 2019 en Chile es Sábado 08 de Junio en el Club Amanda, toda la información aquí.

También en Guitarwar 2019 el 02 de Junio en el Foro Viena de Ciudad de México, toda la información aquí.

Versión en inglés aquí

David Gilmour cuenta en una entrevista que fué roadie de Jimi Hendrix en un concierto un mes antes de su muerte

David Gilmour, No necesita presentación apenas oyes una nota y sabes que es él, pero casi nadie sabía hasta hace poco que durante el festival Isle of Wight de 1970 donde Jimi Hendrix se presentó meses antes de morir, un joven David trabajo como asistente de sonido para la banda del guitarrista:

“Fui [a la Isla de Wight] solo para divertirme, estaba acampando en una tienda, así que me fui al backstage donde nuestro ‘roadie’, Peter Watts, estaba tratando de lidiar con todo el alboroto del show, estaba con Charlie Watkins de WEM, y estaban muy nerviosos, eran los encargados de mezclar el sonido de Hendrix. Yo había hecho algunas mezclas en esos días y me dijeron ‘¡Ayuda! ¡Ayuda!’ Así que lo hice”.

Insólitamente hasta ese momento Gilmour no conocía a Hendrix, una historia tan extraña como mítica donde dos de los guitarristas más influyentes de los últimos tiempos cruzaron caminos de alguna forma.

Mira a Joe Bonamassa tocar Shred Metal en una guitarra poco común

Por estos días en que Yngwie Malmsteen saca un disco de Blues, ya no es raro ver otros crossovers como este de Joe Bonamassa, en lo que parece ser un backstage tocando de una manera muy diferente a la que nos tiene acostumbrados.

Todos conocen el increíble timbre de Blues de Joe, incluso se le ha visto en una faceta más Hard Rock setentero con Black Country Communion, pero lo que muchos no sabíamos es que también puede sacar de su bolsa de herramientas un buen Shred ochentero cuando hace falta como en este video:

Claudio Cordero: Mis 5 Consejos

Claudio Cordero, es un guitarrista Chileno con una extensa carrera tocando en su tierra así como México, USA y Europa.

Además ha compartido tarima con bandas cómo Megadeth, Dark Angel Voivod y músicos cómo Tony Levin y Tim Alexander, Claudio también es endorser desde hace muchos años de Ibanez y DV Mark. Actualmente luego de tocar como Claudio Cordero y su banda, ha pasado a llamar su proyecto Plasma.

Sin dudas son años de experiencia y kilómetros de camino y diapasón recorridos y ahora Claudio comparte con nosotros 5 tips que pueden ayudar no solo a guitarristas sino a cualquier músico:

1- Afinacion
La afinación es un elemento determinante en un guitarrista profesional, esto va desde la condición de su instrumento hasta la correcta técnica de la mano izquierda sobre todo considerando el factor de presión y posicionamiento de los dedos.
Mi primer tip tiene que ver con trabajar en la técnica, ya sea revisando tutoriales o con un profesor particular, corregir la entonación de los dedos es fundamental. Esto considera el punto de presión sobre la cuerda y la fuerza aplicada sobre esta.
Trabajar con afinador de alta gama y siempre estar en constante preocupación de mantener una afinación óptima en cada fret del diapasón. Sobre todo al grabar, corregir la sección del mástil en donde se está ejecutando la parte.
También agregar que el diapasón de la guitarra, siempre debe contar con entonación óptima, esto considerando ajustes y calibración en manos de un luthier profesional o en mejor escenario aún, poder uno mismo corregir esto en cualquier situación o lugar.

2-Timing
Cuando se habla de términos ambiguos como el “groove” o la “onda” en un músico, sea cual sea su instrumento, generalmente suele ser una descripción muy aplicable al timing de un músico, esto tiene que ver con la precisión rítmica, luego de dominar esto, tener la capacidad de situar un ataque “antes o después”, es decir, tocar cada nota “intencionalmente” antes del centro del beat o después del centro del beat, creando atmósferas muy diferentes en la interpretación, debido a esto un intérprete puede sonar muy tranquilo, bajo control, con la capacidad de esperar cada beat hasta su punto exacto, lo cual suele ser definido como “groove o onda”. De gran aporte a la interpretación sin lugar a dudas.
Este elemento puede de gran utilidad para definir el peso de una sección musical, lo cual de manera reiterada puede definir parte del estilo mismo, es decir, no es lo mismo el resultado estético de un ataque “anticipado” en el walking bass en “Anthropology” de Charlie Parker, a en contraposición, el ataque orquestal “después” del centro del beat, en temas como “Sad but True” de Metallica o “Killing in the Name” de R.A.T.M. Esto solamente como ejemplo para diferenciar el sonido flotante del bebop vs. el efecto pesado y arrastrado del beat de los 2 temas en comparación, por ende considerar el timing también como un recurso de banda o estilo, lo cual se hace evidente en el peso de de bandas como Rage Against The Machine.

3- Practicar como vas a tocar:
Los periodos de práctica suelen ser estando sentado, pero la realidad cambia mucho en el contexto de un concierto en donde el strap es el único punto de soporte de la guitarra, por lo cual es importante practicar estando de pie en este caso, gracias a esto se puede definir una altura de la guitarra que sea cómoda para poder interpretar de la manera deseada, el repertorio a mostrar. Esto también requiere un grado de resistencia y ejercitación que son clave para rendir óptimamente en una presentación en vivo. La importancia de complementar esto con una rutina de ejercicios físicos es fundamental.

4- Ergonomía
Desarrollar la técnica en base a la arquitectura de las manos y por sobre todo, las muñecas, ya que torsiones poco naturales pueden derivar en lesiones indeseadas. Para evitar esto es crucial mantener las muñecas lo más derechas posible y con pequeñas variaciones de ángulos en estas, es decir, no forzar movimientos al momento de tocar. Esto es fácilmente identificable a través de molestias físicas, anatómicas o problemas en la ejecución.
En caso de tener dudas recomendaría recurrir a una guía externa o profesor experimentado.

5- Consistencia
Una vez leí una entrevista de John Petrucci en donde menciona este término como un elemento clave determinado por varios factores.
A modo de resumen se podría definir la consistencia en la ejecución musical como un equilibrio entre la seguridad y convicción al momento de tocar cada nota y junto con esto, el control del instrumento, lo cual abarca los 4 puntos mencionados anteriormente.

Más sobre Claudio en:

http://www.claudiocordero.cl

Periphery llega a Chile este 07 de Junio

PERIPHERY EN CHILE
7 DE JUNIO – BLONDIE – 20 HRS

Spider prod, Atenea y Chargola traen por primera vez a nuestro país a la destacada banda de metal progresivo Periphery, quienes aterrizan en Santiago el 7 de junio en Blondie.

Periphery fue formado en el año 2005, por el guitarrista Misha Mansoor, logrando una gran aceptación en internet. Fue así que luego de 5 años, lanzan su primer álbum Periphery, con el cual obtuvieron rápidamente la aceptación de los medios especializados, pavimentando un camino que los tiene actualmente como una de las agrupaciones más importantes de este género en Norteamérica.

La banda estadounidense llegan en marco de su Hail Stan Tour, donde presentan su último trabajo Periphery IV: Hail Stan, que verá la luz el 5 de abril.

Las entradas ya se encuentran a la venta a través de Eventrid, y sin recargo en tiendas The Knife, Rockmusic y House Tatto Rock (Eurocentro y Portal Lyon), pagando en efectivo.

Valores:

$22.000 Venta on line (Cupos limitados)
$25.000 Preventa 1
$30.000 Preventa 2
$35.000 General
$16.500 Upgrade (Meet & Greet + Foto + Firma) *No incluye entrada

Venta on line: https://www.eventrid.cl/eventos/spiderprod/periphery-en-chile

Escucha la versión de Yngwie Malmsteen de ‘While My Guitar Gently Weeps’ y su nuevo disco de Blues

Yngwie Malmsteen está por lanzar su nuevo álbum con versiones de clásicos de Blues y Rock llamado “Blue Lightning”, y como primer sencillo ha escogido el clásico de los Beatles ‘While My Guitar Gently Weeps’ donde Yngwie no solo toca, sino también canta 🤔.

Además hay temas como: “Blue Lightning,” “Foxey Lady,” “Demon’s Eye,” “1911 Strut,” “Blue Jean Blues,” “Purple Haze,” “While My Guitar Gently Weeps,” “Sun’s Up Top’s Down,” “Peace, Please,” “Paint It Black,” “Smoke on the Water,” y “Forever Man.” de Eric Clapton, Jimi Hendrix o Rolling Stones entre otros…

El músico sueco ha declarado ”
En mis discos siempre he mostrado canciones con un groove de Blues, así que esta vez para mí es un paso natural”, para promocionar el material Malmsteen estará de gira por Estados Unidos parte del verano.

Una cosa es segura, te guste o no Yngwie Malmsteen, el guitarrista siempre busca reinventarse dentro de su propio estilo.

John Mayer toca la guitarra de 8 cuerdas de Tosin Abasi! Y no lo hace nada mal! (VIDEO)

John Mayer + Tosin Abasi

El encuentro se dió en un ensayo improvisado junto a un amigo en común, el músico y productor Isaiah Sharkey donde Tosin que viene desde hace tiempo desarrollando sus propios productos con su compañía Abasi Concepts tuvo la oportunidad de mostrarle a Mayer sus guitarras y pedales ante lo cual este quedó encantado y se dió su tiempo para coquetear con la guitarra de 8 cuerdas y una moderna Telecaster.

Acá puedes ver a John en acción:

Tosin comentó: “Hoy no apestó! Tuve la oportunidad de sentarme con @johnmayer y @sharkey335 para un ensayo, tipos increíblemente genuinos y asombrosos intérpretes musicales (Qué asesino es John en la 8 cuerdas!) Parece que el Phatos (pedal) y la “Space Tele”) se van con @sharkey335
Y desde ahora empezamos a construir una serie especial para John, totalmente irreal!”

Puede ser que pronto veamos a John Mayer con una nueva guitarra?

Parece un chiste, pero… Joe Bonamassa dice que No necesitas más de 1000$ para tener un gran sonido… 😂

En una conversación reciente Joe bonamassa habló de como el mercado vintage y boutique puede afectar la percepción de los músicos a la hora de escoger un instrumento.

“Hay Toda esta cultura gigante de todo lo que sea Boutique, y la idea de que todo lo que sea boutique es mejor que lo que viene de un fabricante grande, como Gibson o Fender.”

“Es decir, incluso Taylor y PRS, son mal vistos ahora, cuando Paul Reed Smith solía ser el mesías para el público boutique ahora es solo otro “hombre de negocios” porque no está más en el garage de su casa!”

“Tú ves hacia abajo y estos tipos tienen 20 pedales en su pedalera y sumas lo que valen, eso es un montón de plata por un tremolo o por un fuzz! y además miras algunos de los amplificadores y guao! te lo dice el tipo que tiene un Fender Dumble de 100.000$ (risas)”

“Pero por otro lado ves estos amplis boutique y te preguntas, alguien ha probado una Stratocaster American Standard Series y un Hot Rod DeVille? hombre podrías conquistar el mundo con eso!”

‘Lo que me sorprende hoy en día es la accesibilidad de un gran sonido, si vas a comprar una Les Paul Studio, tal vez no vengan de fabrica ajustadas del todo, lo que sea… Pero 15 minutos en una mesa, unas cuerdas nuevas, tal vez aceite de limón, pulirla, tocarla, ajustar los pickups al punto que te guste y ese es un gran sonido por menos de 1000$ nueva o usada, enchúfala en un Hot Rod DeVille y puedes conquistar el mundo con eso!”

Acá tienes unos vídeos para comprobar si lo que dice Bonamassa es verdad:

Sefo: Mis 5 Consejos

José Barragán (Sefo), guitarrista español que ha girado y grabado con artistas como: Franco De Vita, Antonio Vega, Andrés Suárez, Gastelo, Jorge Marazu, Carlos Baute, Semilla Negra, Carlos Bueso, Jennifer B and The Groove, Latin at Heart y Wes Paul, entre otros. Actualmente vive en Austin, Texas donde está involucrado en distintos proyectos, Sefo se ha tomado el tiempo para ser el primer invitado de esta nueva sección y darnos lo que según él son 5 consejos que le han ayudado en su carrera y esperamos que a ti también te ayuden en la tuya.

1 Busca la calidad en tu estudio, no la cantidad:

“A la hora de estudiar tu instrumento, lo más importante no es la cantidad de horas que estudies, si no cómo lo haces. es muy importante tener un estudio planificado, tener muy claro lo que vas a hacer ántes de sentarte con la guitarra. No pierdas tu tiempo. No practiques cosas que ya sabes, y sobre todo, ten muy claras tus metas. Es muy útil llevar una especie de diario de estudio en el que puedas ir apuntando tus logros, ya sean semanales o mensuales, y tus retos, que pueden ser dominar una técnica, transcribir un solo, improvisar sobre una progresión de acordes, etc…

2 Procura siempre ser el peor miembro de tu banda:

“Cuando digo esto, no me refiero a que toques mal a propósito, jeje… lo que quiero decir es que tienes que intentar tocar siempre con gente que tenga más nivel que tú. De esa manera los otros músicos te van a empujar a subir tu nivel, vas a estar motivado y vas a encontrar inspiración en lo que ellos hacen. Vas a tener muchas más ganas de mejorar como músico cuando tienes un listón que superar. Busca siempre gente de la que aprender, y mantén tus oídos abiertos”

3 Escucha todos los estilos musicales que puedas:

“La música es muy grande y la vida es muy corta como para pasarla escuchando sólo dos o tres estilos de música. Empújate a descubrir cosas que nunca has escuchado, no te limites a estilos basados en la guitarra. Trata de encontrar influencias en otro tipo de músicos, o simplemente escucha lo que sea simplemente porque te apetezca. Trata de descubrir discos antiguos si no estás acostumbrado a ello, o si eres de los que piensan que todo lo bueno se hizo en el pasado, habla con gente más jóven, pregúntales qué escuchan ellos. Estoy seguro de que vas a encontrar cosas buenas e interesantes. Mantén la mente abierta”

4 Sé un compositor:

“Da igual si eres un guitarrista y no te interesa componer letras o canciones enteras, es muy importante que concibas todo lo que tocas en el contexto de una canción. Si escribes canciones al uso, perfecto, pero si sólo estás interesado en tocar tu instrumento, aún así necesitas desarrollar tus propias ideas, aunque sean instrumentales, da igual si son cosas cortitas o canciones de Rock progresivo de 20 minutos. Lo importante es que todo lo que toques sirva un propósito musical. A nadie le interesa tu sweep picking si no cumple una función dentro de una gran canción”

5 aprende a distinguir el mundo de la música del negocio de la música:

“Éste probablemente sea el punto más importante de todos, puesto que va a ser el que te va a garantizar que puedas disfrutar de aquello que amas para toda tu vida. El negocio de la música es muy sucio, lleno de gente mala que te puede llegar a destruir y acabar con tu vocación. Nunca dejes que eso afecte a tu relación con la Música. Trata de establecer ésa diferencia y serás feliz”

Acá puedes escuchar el úlitmo sencillo lanzado por Sefo “Truth or Cosequences”.

Jim Dunlop: Héroe sin capa

Jim Dunlop, fundador de Dunlop Manufacturing e influyente innovador de púas, capos y otros accesorios para guitarra ha dejado este mundo a los 82 años.

Nacido en Escocia en 1936, Jim viajó a Canadá de jóven buscando nuevas oportunidades, ahí conoció a la madre de sus hijos, Bernice, y Los dos se fueron a California en busca de un mejor clima, en los años 60 ya con una familia Jim trabajaba como maquinista e ingeniero mecánico mientras que en su tiempo libre se dedicaba a crear accesorios para guitarristas, ya que la música siempre fue su pasión.

Su increíble sentido de la innovación, hizo que su hobby se convirtiera en sustento y en 1965 fundó Dunlop Manufacturing, Inc. creando capos artesanales en un principio, luego tomó la decisión crucial de diseñar púas de guitarra que tuvieran un proceso de ingeniería, probando diferentes ángulos, grosores y diseños. Jim se propuso crear una púa que revolucionara la manera de tocar incluyendo minuciosos procesos de control de calidad con el apoyo de músicos en su desarrollo y sus habilidades de ingeniería el resultado fue las púas #1 en ventas a nivel mundial: las Dunlop Tortex.

En los años 80 se adentró al mundo de los pedales juntando un equipo de expertos ingenieros y partes de primera calidad, compró los derechos de varias marcas importantes cómo Cry Baby y MXR, trabajando en base a la reputación de estas pero introduciendo a la vez avances importantes, además trabajó con músicos de renombre como la familia de Jimi Hendrix, Eddie Van Halen, Dimebag Darrell, Zakk Wylde, Yngwie Malmsteen o Stevie Ray Vaughan.

Es difícil encontrar un guitarrista que no haya sido impactado de una forma u otra por las invenciones de Jim Dunlop, así su nombre vivirá por siempre en los icónicos productos de Dunlop.

Gracias Jim, héroe sin capa.

¿Se dará una reunión de Liquid Tension Experiment?

Mike Portnoy fundaría junto a John Petrucci (guitarra) y John Myung (bajo) la agrupación Dream Theater cuando apenas eran unos estudiantes en la prestigiosa Berklee College Of Music. Revolucionarían la escena músical progresiva durante la década de los noventas con álbumes emblemáticos como Images & Words, A Change Of Seasons o Scenes From A Memory. De este momento en adelante, la banda iniciaría un ciclo de composición, grabación y giras constantes que permitiría llevar la música de la banda a todos los rincones del planeta, convirtiéndose en un fenómeno mundial de gran alcance.

En el año 2010, tras finalizar la gira del disco Black Cloud & Silver Linnigs, (en la que serian la banda de apertura de Iron Maiden durante su gira norteamericana) Mike se embarcaría en una gira con la banda Avenged Sevenfold supliendo al fallecido baterista Jimmy “The Rev” Sullivan, hecho puntual que lo motivaría a hablar con los integrantes de Dream Theater para exponer su inquietud sobre la necesidad de tomarse un periodo sabático para distender un poco la dinámica de trabajo intenso, revitalizar los vínculos fraternales entre los miembros de la banda y hacer un regreso triunfal que causara una gran acogida por los fanáticos. La peticion no sería considerada y para el 9 de Septiembre de 2010, este abandonaría el grupo siendo sustituido por Mike Mangini (Extreme, Steve Vai) luego de un intenso proceso de audiciones que contarían con la participacion de bateristas como Virgil Donati (Planet X, Icefish), Marco Minemann (The Aristocrats), Aquiles Priester (Angre, Hanger, Tony McAlpine) entre otros.

Ya han pasado 9 años desde la ultima vez que Mike tocó con la banda pero a partir del año 2018, se han producido encuentros cercanos entre Mike Portnoy, John Petrucci y Jordan Rudess que dan a entender que todo lo malo que los llevo a su separación pudo haber quedado enterrado en el pasado. El primero de estos encuentros se dió en Diciembre de 2018 duranteuna reunión navideña entre las familias Petrucci-Portnoy y la segunda se acaba de llevar esta semana, cuando el tecladista Jordan Ruddess subió al escenario del crucero Cruisse To The Edge (que es auspiciado por la banda YES) para ejecutar junto al bajista Conner Green (HAKEN) y el guitarrista Eric Gillette (NEAL MORSE BAND) el tema Instrumedley, que Dream Theater grabó en el año 2004 en su primera presentación en el mítico Budokan de Japón.

Esto nos hace recordar la primera vez que estos personajes se reunieron a trabajar en lo que mas tarde se convertiría en Liquid Tensión Experiment, creando una química musical tan fuerte, que unos años mas tarde, Jordan remplazaría a Derek Sherenian tras el “fracaso” comercial del Disco Falling Into Infinty, muchos creen que tras estos encuentros amistosos podrían reavivarse recuerdos de glorias pasadas y buscar una reunión épica que inyecte nueva energía a la banda. En una reciente entrevista con Eddie Trunk durante el Cruise To The Edge habló sobre una posible reunión de LTE:

La gente siempre me pregunta sobre Liquid Tension Experiment y he dicho que me gustaría hacer mas trabajos con ellos, especialment porque ahora no estoy en Dream Theater y el algo que tiene mucha lógica porque es una de las mejores maneras en las que puedo trabajar con Jordan y John sin entromenterme en lo que ellos están tratando de hacer sin mi con la banda”

En el minuto 8:02 se puede escuchar las declaraciones de Mike Portnoy sobre una posible reunion con LTE

¿Tú que piensas que pueda pasar? ¿Crees que Mike volverá a la banda? Aunque esto no ocurra, por lo menos es bueno ver que han superado sus diferencias y han vuelto a ser nuevamente amigos.

Reunión familiar Petrucci – Portnoy

Jordan Rudess (Teclado), Eric Gillette (Guitarra), Conner Green (Bajo) y Mike Portnoy durante la ejecución de Instrumedley en el Cruise To The Edge
3 formas de grabar guitarras o bajos grandiosos tú mismo + TIPS

Hoy en día existen infinidad de técnicas para poder grabar nuestros instrumentos por nosotros mismos desde cualquier computador, tablet o hasta teléfono.

Acá te mostramos 3 formas en que puedes hacerlo con resultados increíbles.

Qué Necesitas?

1) Buenos Cables: Parece obvio pero si… Necesitas buenos cables! muchas veces invertimos en instrumentos, amplificador o pedales pero no en un buen cable, y esto es escencial porque un cable de mala calidad produce ruidos que se van a reflejar en cualquier grabación.

2) Una interfaz: para llegar al computador o dispositivo tu sonido siempre va a pasar por acá, hay muchas opciones en el mercado pero para comenzar te recomendamos alguna que cuente con conexión USB, acá te dejamos como ejemplo la Focusrite Scarlett Saffire II, su esquema de conexión es bastante sencillo y es súper portable.

3) DAW (Software de grabación): Digital Audio Workstation es el software que te permitirá grabar, o en otras palabras tu “estudio virtual”, también hay muchas opciones como Pro Tools, Cubase, Reason, FL Studio, etc. unos más sencillos que otros por ejemplo te recomendamos Acoustica MixCraft 8 por su sencillez y efectividad.

Ahora a microfonear tu guitarra!

Para hacerlo hay distintas formas, hoy te presentamos 3:

1 Micrófono directo

Puedes captar un sonido más crudo colocando el micrófono frente al parlante de tu amplificador, para esto hay infinidad de opciones y ángulos pero es importante tener en cuenta que cualquier ruido externo o Buzz se va a filtrar y grabar.

Acá te dejamos un artículo de Reverb.com donde profundizan más sobre el tema.

2 Directo a la interfaz

Puedes conectar tu amplificador, pedalera o incluso la guitarra misma directamente a la interfaz, resulta una manera rápida y conveniente de grabar sobre todo en espacios reducidos y donde no es posible tener tus equipos a todo volumen, además te permite tener un control más preciso de la mezcla.

3 Híbrido

Esta es una técnica de producción usada por muchos profesionales donde se conecta un micrófono que va al amplificador y al mismo tiempo se graba la señal directa a la interfaz, de esta manera lo que se logra es una mezcla equilibrada con un sonido preciso pero también mucho ambiente por captar el sonido natural. resulta especialmente conveniente para grabar guitarras acústicas.

TIPS Adicionales:

TIP 1 – La ejecución

Puedes tener los mejores equipos pero siempre asegúrate de que tu ejecución a la hora de grabar sea de calidad, es un mito que ciertos errores se “corrigen” en la mezcla, por el contrario muchas veces se acentúan. Muchos músicos también recomiendan grabarse y escucharse para analizar nuestros puntos fuertes y aquellos donde debemos mejorar.

TIP 2 – Usa la post producción a tu favor

Por ejemplo si debes grabar una sección con delay, phaser o chorus puedes grabar primero en limpio y agregar el efecto luego, esto te permitirá nivelar dicho efecto con respecto a la canción en general, también aplica a pasajes donde se usa mucha ganancia, muchos productores la agregan después. Recuerda que al grabar el enfoque está en la canción como resultado final, más que en un instrumento específico y una buena mezcla es escencial.

Ahora, a grabar esas melodías que tienes en tu cabeza, antes que se te olviden! 😉👍

Por: Alain Villarroel

 


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